WALTER VAN BEIRENDONCK : SCARECROW 

Chez Walter Van Beirendonck, la mode n’a jamais été un simple exercice de style. Elle est un langage visuel chargé de symboles, une prise de position sur l’époque. Pour l’automne-hiver 2026-2027, le créateur belge convoque une figure presque folklorique : l’épouvantail. Un corps bricolé, planté dans le paysage, fait pour intimider sans être réellement armé. Une présence à la fois dérisoire et inquiétante. Difficile de trouver métaphore plus juste pour décrire la condition de la jeunesse contemporaine dans une industrie qui consomme ses images aussi vite qu’elle les fabrique.

Sur le podium, les silhouettes semblent assemblées plutôt que construites. Rien n’est lisse, rien n’est définitivement fixé. Les volumes se transforment, les éléments se déplacent, les couches se superposent. Le vêtement devient un objet instable, presque provisoire. Ce n’est pas un hasard si la collection multiplie les dispositifs modulaires : manches amovibles, volumes reconfigurables, accessoires détachables. La silhouette n’est plus une forme figée, mais un organisme adaptable, contraint de muter pour survivre dans un environnement hostile. Visuellement, Van Beirendonck opère un léger déplacement de son vocabulaire habituel. Moins d’explosions chromatiques, plus de continuité dans la palette. Des camaïeux sourds, des tonalités rabattues, comme si la couleur elle-même se faisait plus grave. Ce resserrement visuel n’éteint pas la radicalité : il la rend plus insidieuse. Les matières, elles, continuent de dialoguer dans un frottement permanent : textiles techniques contre lainages traditionnels, surfaces plastifiées contre textures mates. Un langage de la matière qui raconte l’hybridation d’un monde où le naturel et le synthétique cohabitent sans hiérarchie claire.

La singularité de Van Beirendonck réside dans cette manière de faire entrer la violence du monde dans le champ du vêtement sans tomber dans l’illustration littérale. Les références aux armes, aux équipements utilitaires, aux protections corporelles ne relèvent pas du costume mais de l’allusion. Le danger est là, en creux, intégré dans la grammaire du style. Ce n’est pas une mode de combat, mais une mode de l’après : celle d’une génération qui a grandi avec la conscience permanente du risque (climatique, politique, économique) et qui transforme cette inquiétude diffuse en langage esthétique. Le geste est d’autant plus fort qu’il est contaminé par une forme d’innocence revendiquée. Les motifs, les ornements, les objets greffés aux vêtements convoquent un imaginaire presque enfantin : formes naïves, figures animales, éléments ludiques. Comme si le créateur cherchait à préserver, au cœur même d’un vestiaire traversé par la menace, une part de jeu, de maladresse, de poésie primitive. Ce frottement entre dureté du monde et fragilité de l’enfance donne à la collection sa tension la plus émouvante. On n’est pas dans la nostalgie, mais dans une tentative de sauvegarde : retenir quelque chose de l’élan premier avant que le regard social ne le normalise.